David Lynch
Mulholland Drive

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  Año: 2001.


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  Duración: 145 minutos.


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  Director: David Lynch.


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  Guion: David Lynch.


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  Productor: Mary Sweeney, Alain Sarde, Neal Edelstein, Michael Polaire y Toni Krantz.


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  Musica: Angelo Badalamenti.Genero:


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  Drama.País: EEUU y Francia.


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  Fotografía: Peter Deming.


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  Montador: Mary Sweeney.


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  Reparto: : Naomi Watts (Betty Elms / Diane Selwyn), Laura Elena Harring (Rita / Camilla Rhodes), Justin Theoux (Adam Kesher), Ann Miller (Coco Lenoix), Robert Forster (Detective Harry McKnight), Brent Briscoe (Detective Neal Domgaard), Jeannie Bates (Irene).

Una joven alegre, frágil y algo ingenua, Betty (Naomi Watts), llega a Los Angeles dispuesta a ser una gran actriz , y se aloja en el apartamento prestado por su tía. Allí se encontrará con Rita (Laura Elena Harring), una mujer amnésica, única superviviente de un accidente en la carretera de Mulholland Drive. En la misma ciudad, un egocéntrico director de cine ve cómo tiene que someterse a los productores de su película, que le imponen a la protagonista. Las tres tramas se entrecruzarán misteriosa y oscuramente en búsqueda de su identidad perdida, con personajes que se debaten entre el amor y la muerte, entre el éxito y el fracaso. Es Fue nominada a los Oscars como mejor director, ganó el premio de mejor director en Cannes 2001, y estuvo nominado a la Palma de Oro también.

Corazón salvaje

• Año: 1990.



• Duración: 127 minutos.



• Director: David Lynch.



• Guion: Barry Gifford, David Lynch.



• Productor: Steve Golin, Monty Montgomery, Sigurjon Sighvatsson.Musica: Angelo Badalamenti, Richard Strauss.



• Fotografía: Frederick Elmes.



• Genero: Drama.



• País: EEUU.



• Reparto: Nicolas Cage, Laura Dern, Willem Dafoe, J.E. Freeman, Crispin Glover, Diane Ladd, Calvin Lockhart, Isabella Rossellini, Harry Dean Stanton, Grace Zabriskie.

Durante un permiso carcelario, Sailor va en busca de Lula, su novia, y juntos deciden escapar a California. La madre de la chica se opone a esta relación y contacta con un mafioso para que elimine a Sailor. En realidad, teme al joven, ya que presenció el asesinato de su esposo a manos de ella y su amante.

"Tengo ideas, imágenes, que me llegan a la mente y me excitan mucho. Hay una opinión muy generalizada que afirma que los personajes siempre buscan un sentido a todo. Eso no es verdad en lo más mínimo. ¿Por qué razón debería tener sentido el arte si la vida no lo tiene? Lo que mas me gusta en esta vida es el absurdo. Y he de reconocer que el hecho de vivir en la ignorancia tiene mucho humor".(David Lynch, 1990)

A finales del verano de 1989, tras la post producción del episodio piloto de "Twin Peaks", la intención de Lynch era ponerse manos a la obra con un nuevo proyecto. "Cuando apareció Blue Velvet tenía tres guiones que no podían ser producidos: "Ronnie Rocket", "Up the Lake" y "One Saliva Bubble". Los tres fueron proyectos para Dino De Laurentiis pero la productora quebró. Fue una época lamentable, muy deprimente, aunque ahora me doy cuenta de que ninguno de aquellos tres guiones estaba lo suficientemente madurado para ser producido. Por casualidad, mi amigo, el productor Monty Montgomery, me pidió opinión sobre una novela de Barry Gifford, "Wild At Herat", cuyos derechos poseía. Al acabar de leerla hablé con Monty y le propuse hacer la adaptación".

Sailor Ripley (Nicholas Cage) acaba de salir del correccional de Pee Dee y se reúne con su novia, Lula Pace Fortune (Laura Dern), contra la oposición de la madre de esta, Marieta (Diane Ladd, madre en la vida real de Dern). La pareja decidirá fugarse y Marieta pondrá tras su pista al sabueso Johnnie Farragut (Harry Dean Stanton). Los inútiles intentos de este por encontrar a la pareja obligarán a la histérica madre a recurrir a los servicios del gangster Marcello Santos (J. E. Freeman), el cual se pondrá en contacto con Bobby Perú (Willem Dafoe) y Perdita Durango (Isabella Rosellini) para que acaben con Sailor. El viaje de el dúo principal de enamorados les llevará por los mas pintorescos lugares donde conocerán a los máximos exponentes de la fauna lynchiana: asesinos depravados, ancianos extravagantes, cazadores de palomas, víctimas de accidentes... hasta llegar al pueblo de Big Tuna, donde Sailor se verá envuelto en una oscura trama de robo y asesinato.

Lynch estaba enamorado de los personajes, pero no lo suficientemente de la historia, por lo que hizo todos los cambios respecto a la novela que le vino en gana. La pareja principal no están enamorados del mismo modo en la novela que en el filme, donde responden a un idealismo de las relaciones de pareja muy en la onda de su director, como si su romance apasionado fuera el mismo que en las películas de rebeldes y romances de los años 50. Marieta en el libro original parece una madre preocupada, no una histérica preocupada que simboliza a la bruja mala de la narración. Pero lo mas importante, y lo que hace que la historia del libro y de la película sigan caminos diferentes, es la aparición del mafioso Marcello Santos, el cual menciona Marieta a Johnnie en la novela, pero no aparece, y sin embargo cobra un gran protagonismo en el filme, provocando un efecto dominó que lleva a la aparición de personajes como Perdita Durango, su hermana Juana, la pareja de asesinos Reggie (aparece un Reggie en la historia de Gifford, pero en ningún momento se nos da a entender que sea un asesino) y Dropshadow, y la joya de la corona, ese "ángel oscuro" que es Bobby Perú. También provoca la desaparición de otros, como Johnnie Farragut, el cual no fallece en la novela. El desenlace de ambas historias también es diferente, siendo el del libro bastante deprimente, por cierto. "Al principio intenté hacer un final triste por el simple hecho de demostrar que soy un cineasta independiente, y que no estaba intentando ser comercial. Me di cuenta de mi equivocación, sobre todo, por que no estaba de acuerdo conmigo mismo".
A pesar de que el "Wild At Heart" cinematográfico poco tenga que ver con el literal, Barry Gifford y David Lynch se llevaron a la perfección. "Fui el asesor creativo de la película", recuerda Gifford, "estaba demasiado ocupado escribiendo el resto de novelas sobre Sailor y Lula como para poder escribir el guión, así que fue David quien se encargó, y le dije que llamara si tenía alguna pregunta. David tuvo listo el guión en seis días, pero después, a la hora de rodar, iba improvisando, añadiendo o sacando cosas sobre la marcha. Recuerdo que un día vi la que para mi era la frase mas importante de la película ("Este es un mundo salvaje por dentro y muy extraño por fuera") había desaparecido del guión. Se lo comenté a David, y me respondió, "no te preocupes, ya la haremos caber en algún sitio", y así lo hizo". Respecto al final el escritor tiene una versión un poco distinta a la dada por el director: "El final original de la película, tal y como estaba en el guión, era el mismo que el de la novela, que de hecho está en la película. Pero después David añadió las escenas de la Bruja Buena del Este y el encuentro final.

MOVIMIENTOS DE CAMARA

Movimientos De Cámara Existen varios movimientos principales que se pueden usar con una cámara amateur; los mas usados son:

1. Paneo. Mover la cámara horizontalmente ya sea de izquierda a derecha o de derecha a izquierda. Cuando se realiza un movimiento de izquierda a derecha se le denomina paneo hacia la derecha. Asimismo, cuando se realiza un movimiento de derecha a izquierda se le denomina paneo hacia la izquierda.

2. Tilt. Mover la cámara verticalmente ya sea de abajo hacia arriba o de arriba hacia abajo. Cuando se realiza un movimiento de abajo hacia arriba se le denomina “TILT UP”, mientras que cuando se realiza un movimiento de arriba hacia abajo se le denomina “TILT DOWN”.

3. Travel. Moverse junto con la cámara paralelamente a la acción. Esta acción puede hacerse de izquierda a derecha denominándose “TRAVEL IZQUIERDO” o de derecha a izquierda denominándose “TRAVEL DERECHO”.

4. Dolly. Moverse junto con la cámara hacia delante o hacia atrás. Cuando se mueve uno hacia delante se le denomina “DOLLY IN” y cuando se mueve uno hacia atrás se denomina “DOLLY OUT”.

5. Crane. Subir o bajar de nivel de altura junto con la cámara. Cuando subimos con la cámara se le denomina “CRANE UP” y cuando bajamos se le denomina “CRANE DOWN” Tipos De Planos Se refiere al tamaño del objeto en la imagen que se va a grabar.

Los principales planos usados son:

1. Plano General (Wide Shot). Es cuando se muestra un encuadre abierto que enseña además del personaje principal que se esta tomando, los elementos a sus alrededor.

2. Plano General Medio (Full Shot). Se muestra al personaje desde los pies hasta la cabeza mas todo lo que se perciba a su alrededor con ese encuadre.

3. Plano Americano. Termino utilizado principalmente en las películas americanas de vaqueros donde se muestra al personaje desde la rodilla que es a donde les llegaba la pistola, hasta arriba de la cabeza.

4. Plano Medio ( Médium Shot). Es cuando se toma a un personaje de la cintura hasta arriba de la cabeza.

5. Primer Plano Medio ( Médium / Close Up). Abarca de la altura del hombro hasta arriba de la cabeza.

6. Primer Plano ( Close Up). Es a partir de donde termina el hombro hasta arriba de la cabeza.

7. Primerísimo Plano ( Extreme Close Up). Abarca desde arriba de la barba hasta la frente.

Enfoque En las cámaras de video se puede enfocar de manera automática o manual. El enfoque automático es el más fácil porque por lo general mantiene enfocado todo lo que se encuentra en el centro del lente. Muchas cámaras tienen un pequeño circulo o cuadrado en el centro del lente que es la referencia para lo que el lente mantendrá enfocado. Para grabaciones donde queremos tener control de la profundidad de campo (explicada adelante) de lo que grabamos, sugerimos manejar la cámara de modo manual tanto para el iris, exposición y enfoque. La manera correcta de enfocar en modo manual se consigue haciendo zoom-in completo en lo que queremos grabar, empezar a enfocar manualmente hasta tener una imagen nítida. Se recomienda que cuando se crea tener la imagen enfocada pasar un poco el foco y luego reenfocar para asegurarse que el enfoque fue correcto. Composición De la Imagen Uno de los puntos mas importantes al grabar es aprender a componer correctamente la imagen de lo que se quiere grabar. Dependiendo de lo que se va a grabar hay ciertos principios que hay que seguir. Definición de planos. Cuando vamos a grabar podemos tener la acción en:

• Primer plano. Es lo mas distintivo en nuestra composición y mas cercano a la cámara.

• Segundo Plano. Son los elemento que se posicionan atrás de los elementos que están en primer plano.

• De fondo. Son los elementos que están atrás de los elementos que están en segundo plano. Al ver un video en una televisión, las tomas que se distinguen mas son las que están tomadas en primer plano. Las tomas a larga distancia no se alcanzan a distinguir bien en una pantalla de televisión. Reglas importantes

• Ojo humano se mueve de izquierda a derecha

• Importancia de dejar espacio aire. El termino aire se refiere a dejar un poco de espacio en lo que se esta grabando. Cuando se esta grabando a una persona caminando hay que dejar alrededor de 1/3 de espacio libre hacia donde va caminando. Si la toma un plano medio o primer plano hay que dejar un poco de espacio hacia la dirección hacia donde esta viendo exceptuando cuando ve hacia cámara. Asimismo hay que dejar un poco de espacio arriba de la cabeza.

• Crear sensación de profundidad. Esto se logra cuando se juega con el posicionamiento de los elementos que se van a grabar teniendo algunos en primer plano, otros en segundo plano y finalmente algunos elementos de fondo. Ángulos Dependiendo del ángulo con el que se compone una imagen se da una distinta comunicación visual. Cuando se graba uno tiene la decisión de hacia donde queremos que nuestra audiencia concentre su atención. Es importante a la hora de componer una imagen de estar consciente de los elementos visuales que distraen a la vista. A la hora de hacer una grabación es importante tener diversas opciones de ángulos, así como encuadres para que a la hora de editar el proyecto se le dé dinamismo al mismo. Para que un cambio de ángulo funcione debe ser mínimo de 30º acompañado de un cambio de plano para que se note en la edición.

• Picado. Es cuando se hace una toma de arriba del personaje hacia abajo. Este tipo de toma nos da una sensación de disminución de la altura y debilidad del personaje.

• Contrapicado. Es cuando se hace una toma de abajo del personaje hacia arriba. Este tipo de toma nos da una sensación de aumento de altura y fortaleza del personaje. • Holandés. Es cuando la cámara se inclina ya sea hacia la izquierda o derecha entre un 20-40o para dar una sensación de modernidad.

• Over the shoulder. Es cuando tenemos a dos personajes hablando entre ellos y se utiliza el hombro de uno de los personajes en primer plano y otro personaje en segundo plano. TIP. Para hacer tomas en movimiento como dolly, travel o arco se puede utilizar una silla de ruedas, un carrito de súper, un carrito de maletas de aeropuerto o una patineta. Profundidad de campo Definición . Es la región, expresada en términos de la distancia cercana y lejana donde los objetos se encuentran enfocados en un encuadre. La profundidad de campo va a depender de tres elementos:

• Apertura del iris. Mientras menor sea la F, mayor será la apertura del iris y menor la profundidad de campo. Mientras mayor sea la F, menor será la apertura del íris y mayor la profundidad de campo.

• Longitud de enfoque. Se refiere al cambio de distancia focal en la cámara. La mejor manera de distinguir este es haciendo pruebas manteniendo un mismo encuadre en cámara pero jugando con diferentes lentes (o distancias de zoom en la cámara)

• Distancia. Distancia del objeto desde la cámara de video. Mientras mas cerca esté el objeto de la lente, menor será la profundidad de campo en cualquier abertura o longitud de enfoque. Es importante mencionar que para poder jugar con la profundidad de campo es importante trabajar lo más que se pueda con la cámara en manual para poder manipular los diferentes parámetros. Duración de tomas La duración de una toma es un aspecto muy subjetivo y que se va a prendiendo con la practica y conforme uno va entendiendo los diferentes ritmos que se le puede dar a una escena. De cualquier manera a la hora de grabar es muy importante siempre grabar más material del que se va a necesitar y a la hora de la edición darle el ritmo apropiado. Continuidad En el mundo profesional para mantener los costos mas controlados, las películas nunca se filman en orden. A partir de un guión aprobado se hace un desglose del mismo donde se separan las escenas por locaciones y si la escena es de día o de noche. Con este desglose se realiza una calendarización de locaciones. Es por esta razón que existe una persona en el set llamada “Continuista”. Esta persona esta encargada de llevar una relación de todos los elementos del set y de los personajes para que se vean iguales de una toma a otra dentro de una escena. Las continuistas se apoyan de cámaras instantáneas para tomar fotos de las locaciones y los personajes y con esto poder igualarlas entre toma y toma. La continuidad en el set significa que la utilería aparezca en el mismo lugar cuando cambiamos de toma, mientras que en los personajes se debe cuidar la posición, vestimenta, peinado, maquillaje, accesorios, señas particulares (cortadas, lunares, etc.), expresiones. Finalmente en una locación hay que cuidar que las condiciones climatológicas sean parecidas. Traspaso de Línea En cualquier toma que se realiza cuando tenemos dos personas hablando entre ellas hay que trazar una línea imaginaria que va de uno de los personajes al otro. Al trazarla solo podremos grabar de uno de los lados de esa línea. Si la cruzamos romperemos el eje de continuidad de acción a menos de que tengamos un plano neutro entre los cortes de cámara.

QUE ES UN CORTOMETRAJE

Un cortometraje, llamado habitualmente "corto", es un pequeño relato audiovisual tanto de ficción como documental de no más de un cuarto de hora o veinte minutos de duración. El mundo de los cortometrajes es muy extenso y va desde la afición que puede unir fácilmente a un grupo de personas hasta los más profesionales como los realizados por los alumnos de la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid y que incluso reciben subvenciones. Cortometrajes hay de tantos tipos que, a pesar de ser el resultado de simples aficiones, pueden guardar una gran creatividad e imaginación. Todo depende de las metas que uno se proponga y del conocimiento más o menos profundo del medio. Habitualmente se celebran festivales y concursos y eso sirve muchas veces de acicate para que ciertas personas se animen a llevar a cabo su primer corto

El primer día de rodaje comienza con mucha vitalidad. Este día es el ideal para hacer muchos planos. En teoría. Porque resulta que en la práctica, es el día que más cuesta. El error aquí está en asignar a este primer día muchas escenas en el plan de rodaje. Si grabamos cámara en mano, con un par de focos y dos actores el problema es menor. Ahora bien, si hay que mover a 30 personas o más de plano en plano, esto ralentiza.
Cuando el equipo de rodaje supera las 30 personas es porque tenemos con nosotros:- Director de fotografía: No parece nunca estar conforme con la ubicación de los focos y habrá que meterle prisa. En la fase de preproducción y ensayo tenemos que haberle dado todas las pautas sobre la historia, los sets de rodaje, las localizaciones exteriores...Haberle enseñado fotos de estas localizaciones o mejor aún, visitarlas antes.- Jefe de eléctricos y eléctricos: A las órdenes del director de fotografía. Tendrán que saber hacer llegar la luz a donde no la hay. Se encargan de mover todo el material de focos, grupo electrógeno,...Cuando no hace falta foco, sino esticos reflectantes, los sujetan ellos a las órdenes del citado anteriormente.- Cámara: Éste a su vez hace de foquista pues es el que mejor conoce el aparato.- Ayudante de cámara y auxiliar de cámara: El ayudante es el más directo colaborador del cámara, por ejemplo, en escenas en las que hay que llevar el cable por detrás, sujetar y guiar al cámara en escenas de cámara al hombro mientras camina, montar y desmontar de trípodes, ubicar éstos,...Si no hay auxiliar, pues este mismo hace la labor de tener cintas a mano y controlar las baterías de la cámara. En un rodaje de 20 minutos finales se llenan fácilmente 8 cintas de 30 minutos y las baterías -6 por lo menos- se ponen a cargar durante la noche para tener al día siguiente todas hábiles. Claro que no se puede llegar a media tarde y haber utilizado 5 baterías y que quede una. En el transcurso de la grabación se van llevando a cargar.- Script o secretario/a de dirección: Le tenemos que dar una especie de storyboard pero vacío. Tantas hojas como planos totales tenga ese storyboard. Con huecos para que anote todo lo relativo al plano, la luz, filtros, los códigos de tiempo de cámara, la escenografía. Si la escena es muy compleja, se ayudará de una cámara polaroid. O si nuestra cámara es digital, igual tenemos la posibilidad de realizar capturas de foto y guardarlas en una tarjeta de memoria.- Ayudante de script: Marca la claqueta. Dicta detalles que el/la script no ha cogido.- Sonido y ayudante de sonido: Micros, jirafas,...- Jefe de producción y ayudante de producción: Tiene que llevar todo al dedillo. Es el que maneja las pelas durante el rodaje. Coordina a los actores para citarles, a los extras,...Todo lo que se le pida, lo tiene que conseguir. Si como he insistido, está todo bien atado antes de empezar a rodar, su labor se suaviza. Si a última hora hay que conseguir pintura color azul celeste para un decorado que se ha dejado para el último día nos mirará con cara de odio.- Auxiliares de producción:- Director artístico y ayudante decoración: Les tenemos que haber enseñado los sets de rodaje y que los tengan preparados, por lo menos, una semana antes de empezar a rodar. Contar con ellos también para escenarios que no sean reales, sino virtuales o maquetas.- Decoradores- Vestuario- Maquillaje- Peluquería- Efectos especiales- Foto fija: Aquí hay un elemento relativo también a la preproducción. El foto fija tiene que estar tanto antes como durante el rodaje. Antes del rodaje, para hacer fotos que luego sean parte de la historia y que aparezcan en pantalla, aprovechando para fotografiar al equipo artístico caracterizado pues luego este material nos sirve para hacer carátulas para la cinta, para carteles, para prensa... incluso para insertar en páginas web, hacer promos en cd, camisetas...todo lo que se nos ocurra. Material muy utilizable.- Dirección de actores: Muy importante ensayar todas las escenas antes, para que luego actores o actrices no tengan duda sobre su papel o las características del personaje.- El equipo artístico: Los actores y actrices componen el 50% de ese puzzle de coordinación que es un rodaje. Hacen un esfuerzo enorme y ni que decir tiene que hay que mimarlos. No son estrellas consagradas y no nos van a pedir alfombras rojas cada vez que lleguen al set de rodaje. Pero de nuestra relación con ellos/ellas depende que nuestro trabajo resulte creible. Ellos esperan también ser mimados y al estar a nuestras órdenes hay que evitar dejarlos de lado por, por ejemplo, problemas técnicos.
Estos problemas técnicos son un buen recurso para pedir al actor la repetición de una nueva toma. En teoría, hemos tenido que ensayar antes con ellos. Pero siempre hay alguna escena que cojea un poco. Hay que evitar hacer pensar al actor que lo está haciendo mal. Es duro decir al actor que lo esta haciendo fatal y es preferible achacar el problema al cómplice equipo técnico. También es aconsejable grabar tomas de seguridad. De esta manera nos cubrimos las espaldas.
Cuando los actores no han tenido trayectoria artística, son aficionados o trabajamos con extras que no tienen papel hablado sino figuración, tenemos que actuar con picardía. Nuestro equipo técnico, que sigue siendo tan cómplice con nosotros, tiene que fingir que está preparando la nueva toma. Pides al actor que ensaye su papel para hacer pruebas de sonido, de cámara, de luz,...pero mientras, grabas. El actor ni se percata de que curiosamente hay silencio absoluto. Percibe más el hecho de que nadie le mire, al contrario que cuando se hace una toma real, en la que todo el mundo está expectante y provocamos sin querer el nerviosismo del actor. De esta manera tenemos al actor tranquilo.
Si has elaborado un buen plan de rodaje, notarás que se va rápido. No te desesperes porque no te de tiempo a cumplir todo el plan del día. Si has sido realista, habrás dejado un día adicional para complementar.No pospongas muchas escenas sueltas para otro día porque luego no podrás seguir el mismo hilo narrativo que cuando lo dejaste.
Si vas bien de tiempo aprovecha para grabar planos detalle, escenas de transición...
Con un equipo reducido puedes acabar escenas en las que sólo se ve, por ejemplo, las manos del personaje. No hace falta siquiera que sea el propio actor o actriz.

QUE ES EL PITCH

Hacer un pitch, un pitching o pitchear consiste en entrar en el despacho de un productor y contarle la película o proyecto que tengas en mente con ánimo de vendérselo.

Dot Pitch - también llamado Pitch Fósforo o Línea Pitch - se refiere a la distancia entre los sub-píxeles (puntos de fósforo) o pantalla de cristal líquido en las células del mismo color dentro de una pantalla. Expresada en milímetros, técnicamente, dot pitch es la suma del tamaño de una tríada y la distancia entre las tríadas (una tríada es un grupo de tres puntos fósforo, de color rojo, verde y azul dentro de una pantalla CRT).
A menor dot pitch significa una menor distancia entre los puntos de fósforo y, por ende, una mejor claridad de la imagen. Lamentablemente, esto no siempre es un método exacto de comparación de diferentes pantallas, por varias razones:
El dot pitch se mide de varias maneras diferentes de mostrar los fabricantes
Diferentes geometrías de píxeles hacen que sea difícil llegar a una conclusión que une el punto de tono y la claridad de la imagen
Diferentes resoluciones de pantalla que el proceso de juzgar la calidad de la imagen una tarea difícil
La rigidez del rayo de electrones y el enfoque objetivo variará entre pantallas

ANALISIS DE LA PELICULA TECIOPELO AZUL
DE DAVID LYNCH


FICHA TECNICA

Título original: Blue VelvetDirección y guión: David LynchProducción: Fred Caruso para De Laurentiis Entertainment GroupFotografía: Frederick Elmes, en Technicolor y CinemaScopeMontaje: Duwayne DunhamMúsica: Angelo Badalamenti Intérpretes: Kyle MacLachaln (Jeffrey Beaumont); Isabella Rossellini (Dorothy Vallens); Dennis Hopper (Frank Booth); Laura Dern (Sandy Williams); George Dickerson (detective Williams); Hope Lange (señora Williams); Dean Stockwell (Ben) Nacionalidad: EE.UU.Año: 1986
Vestía terciopelo azulMás azul que el terciopelo era la nocheMás suave que el satín era la luzDe las estrellas

RESUMEN DE LA PELICULA

Desde el mismo comiezo de la película, Lynch nos desborda los sentidos. Las escenas están muy bien construidas, y la música se hace imprescindible para transmitirnos lo que está ocurriendo. Lo bizarre, lo extremo, se introduce de inmediato en la película. La mezcla del placer y del dolor, la humillación física, el deseo sexual... todo ello se nos va mostrando, y va haciendo mella en nosotros. Y es que Lynch sabe cómo hacer que el espectador reaccione, que no se distancie de la película, sino que se introduzca dentro y se sobresalte o se sienta seducido a la par que lo hacen los personajes
Terciopelo azul tiene un final soberbio, no tanto por los diálogos o los descubrimientos que se puedan hacer, sino por la sensación de "regreso a lo cotidiano". Un final que es la guinda para una película que en 1986 fue rompedora, provocadora, y eso sin llegar a mostrar realmente momentos de violencia extrema, ni tiroteos, ni sangrías. Es una película que pide mucho al espectador, pero que recompensa con creces. Pero ante todo, a pesar de lo extrañas que nos llegan a parecer algunas situaciones, es una película realista. Con diálogos, sentimientos y personajes que todos hemos dicho experimentado o conocido alguna vez, aunque quizá de forma no tan extrema.

ANALISIS DE LA PELICULA LA CABEZA BORRADORA DE DAVID LINCH

Ficha técnica:
T.O.: "Eraserhead" (EE.UU., 1976).Director: David Lynch.Producción: David Lynch (David Lynch Prods.).Guión: David Lynch.Fotografía: Frederick Helmes, Herbert Cardwell (B/N).Música: Peter Ivers, "Fats" Waller.Dirección artística: David Lynch.Interpretes: John Nance (Henry Spencer), Charlotte Stewart (Mary X), AllenJoseph (Mr. X), Jeanne Bates (Mrs. X), Judith Anna Roberts, Laurel Near, V.Phipps- Wilson, Jack Fisk, Jean Lange, Thomas Coulson, John Monez, DarwinJoston, Neil Moran, Hal Landon Jr., Jennifer Lynch.

RESUMEN DE LA PELICULA

La película transcurre en un mundo post- industrial, desolado, kafkiano yhediondo. Henry, su protagonista -cuyos rasgos físicos coinciden en granmedida con los del propio director- es un hombre lastimero que vive acosadopor la sociedad, por su novia, por la entrometida familia de ella. En medio delos delirios y alucinaciones que sufre, teme que con su cabeza se fabriquenlápices para borrar, ser una "cabeza borradora"